MetaArte

El Instituto de Arte de Chicago
Juan Rodríguez

Nunca antes había visitado un museo con la intención de ver una sola obra de arte, en este caso una pintura. Pero mi deseo de estar frente a la pintura “A Sunday Afternoon on the Island of La Gran Jatte” de Georges Seurat hizo que me fuera al Instituto de Arte de Chicago. Estaba consciente de que era un gran riesgo, pero desde el día que vi una foto de esta importante pintura en un libro de texto, supe que valdría la pena tomarlo. Le adelanto que el riesgo valió la pena y todas las expectativas que tenía sobre esta obra maestra y el museo en general fueron sobrepasadas. Durante los tres días consecutivos que pasé recorriendo las galerías del segundo museo enciclopédico más grande de Estados Unidos (el primero sigue siendo el Museo Metropolitano de Arte en New York), aprendí tanto y me sentí tan feliz, que no me molestaría repetir la experiencia.
Este museo contiene una de las colecciones más grandes e importantes de pinturas Impresionistas y Post-impresionistas, estilos de los cuales soy amante. El Impresionismo fue el primer movimiento que rompió con el estilo clásico que dominó por tantos siglos el mundo de la pintura. Por supuesto, hay historiadores de arte que no están de acuerdo con este planteamiento y consideran el comienzo del modernismo desde el Cubismo, con el español Pablo Picasso, a principios del siglo pasado. Como sucede tan frecuentemente con el arte, incluyendo su propia de definición, todo tema se presta a miles de debates. Lo que no se puede negar es que fueron los impresionistas quienes comenzaron a pintar las “impresiones” de lo que observaban, dejando gradualmente a un lado la pintura figurativa. Para ellos, ya no era necesario seguir imitando, y por esto rompieron con los cánones dictados por las tradicionales academias de arte. Otro asunto importante sobre el arte impresionista es que enfatiza los efectos de la luz en la naturaleza. Así, un pintor podía pasar largas horas pintando un mismo paisaje a diferentes horas del día. Si bien es cierto que en las pinturas impresionistas todavía las formas pueden definirse no es menos cierto que se alejan cada vez más de su representación realista. “Como es arriba es abajo”. Estos dos movimientos artísticos trajeron más claridad a la mente humana y la fueron llevando a planos más sutiles de abstracción.
Al entrar a la primera galería impresionista me encontré de frente con la obra “Paris Street; Rainy Day” (1877) del francés Gustave Caillebotte, la cual capturó mi atención inmediatamente. Esta monumental pintura al óleo nos presenta un pedacito de la vida parisina tanto de la burguesía como la clase trabajadora de finales del siglo XIX. Con una moderna composición y un gran sentido de perspectiva y movimiento, Caillebotte documenta la modernización que sufrió la ciudad de París bajo el administrador Francés Baron Haussmann. La composición es de corte fotográfico (la fotografía comienza en el 1839), la cual era muy utilizada por los impresionistas.

En la segunda galería, sin darle a uno tiempo a recuperarse, se encuentra la obra más famosa del museo: A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte (1884-86) del pintor post- impresionista Georges Seurat. Verdaderamente, no hay palabras para describir lo que se siente al estar frente a una pintura que marca un hito en la historia del arte. El artista tardó dos años en completarla, dándole énfasis al color, la forma y la luz. Durante este proceso desarrolló un nuevo estilo de pintura conocido hoy como pointillismo, el cual contrasta puntos de colores diferentes que por ilusión óptica forman un nuevo color en la vista del observador. En esta monumental obra Seurat nos presenta lo que sucedía todos los domingos en esta isla parisina donde se mezclaban todas las clases sociales. La representación del paisaje es hermosa y los perfiles hieráticos de los sujetos es sencillamente magistral. Como detalle curioso, el marco de madera blanco adornado con miles de puntos de colores también fue concebido por el artista.

La nueva ala moderna del museo, diseñada por el arquitecto italiano Renzo Piano, es minimalista y muy funcional. En sus amplias galerías abunda la luz, lo cual permite que las obras puedan apreciarse mucho mejor. Este nuevo espacio, muy parecido al estilo “white cube” de galerías de arte londinenses, fue el que convirtió a este museo en el segundo más grande de la nación. Para conectar esta ala con el Parque del Milenio, el arquitecto diseñó un puente de acero de 625 pies de largo, desde el cual se puede ver la hilera horizontal de espectaculares rascacielos que pueblan el centro de la ciudad. Antes de despedirme de este templo del arte, me fui al nuevo restaurante Terso Piano, ubicado en el último piso, donde la comida es exquisita y las conversaciones de arte se escuchan en cada murmullo.

Al salir del museo, me fui al Parque del Milenio, un centro de arte, música, esculturas y diseño de paisajes, donde sobresale un anfiteatro al aire libre diseñado por el canadiense Frank Gehry, con su estilo característico de hojas de acero inoxidable contorneadas. La escultura más popular del parque es Cloud Gate del famoso escultor británico Anish Kapoor, de quien había visto sus instalaciones en el Guggenheim de New York. Esta escultura fue creada con 110 toneladas de acero inoxidable en las cuales se reflejan los edificios de la ciudad. Su superficie es como un gigantesco espejo en el cual todo el que se acerque puede verse reflejado, convirtiéndose en un participante activo de esta única escultura.

De regreso al hotel pasé por un parquecito urbano que me llamó mucho la atención. Al acercarme a una plaquita que tenía su nombre, la misma leía: “Positive Mental Attitude Walk” (Camino de la Actitud Mental Positiva). Sin lugar a dudas, uno atrae lo que tiene en su mente. Con mi actitud positiva seguí caminando mientras disfrutaba de las hermosas vistas que me regalaba el apacible Lago Michigan. ¡Gracias Padre!

Oswaldo Guayazamín: pintor ecuatoriano

María Del Carmen Lara

“Mantengan prendida la Luz para cuando regrese.”

Oswaldo Guayasamín

Hace un mes estuve en Ecuador y decidí visitar “La Capilla del Hombre”, un museo-galería ubicado en el Barrio Bellavista en Quito. El mismo fue erigido en honor a Oswaldo Guayasamín, quien es uno de los máximos exponentes del expresionismo de la pintura ecuatoriana. Cabe anotar que la Capilla del Hombre fue diseñada por el propio artista, quien no pudo ver terminada su más grande obra maestra, ya que murió en el año 1999. La “capilla’ fue completada en el año 2001.

Oswaldo Guayasamín nació el 6 de Julio de 1919 en la Ciudad de Quito. De padre indio y madre mestiza, fue el mayor de diez hermanos. Como su familia siempre vivió en la miseria, una vez expresó: “Cuando yo era niño, lloraba porque no tenía zapatos, hasta que vi un niño que no tenía pies”. El artista comenzó a demostrar su talento a los 8 años pintando caricaturas de sus compañeros y maestros.

A pesar de la oposición de su padre, siguió el llamado de su corazón y prosiguió con su perfeccionamiento artístico. Viajó a los Estados Unidos donde permaneció trabajando por poco tiempo, y con el dinero que reunió, viajó a México a trabajar como aprendiz de un pintor famoso. Éste fue su mentor y le ayudó en el desarrollo de su carrera. Guayasamín regresó a Quito, y pronto logró captar la atención y el reconocimiento tanto de sus compatriotas como de extranjeros.

A través de cientos de sus obras, él expresa los sentimientos humanos: el amor, el odio, la alegría, la tristeza, etc. El afecto, como la ternura de una madre con su hijo, se refleja en sus pinturas. Sus obras también denuncian el racismo, la injusticia social y los asuntos políticos. Hay un cuadro que me llamó mucho la atención el cual presenta una imagen mitad hombre y mitad mujer, simbolizando la polaridad en el ser humano.

Guayasamín decía que a través de sus obras quería arañar el corazón de la gente, sensibilizarla y despertarla. Creo que sí lo logró porque entrar en contacto con sus obras es una meditación obligada. Ya no eres el mismo cuando sales de allí. En un documental que muestran en la capilla, aprendí que él percibía a las personas que pintaba por colores y les decía: “Tú eres amarillo, verde o azul”. Me sentí identificada con esto porque en la Metafísica sabemos que todos los seres humanos pertenecemos a diferentes Rayos, y esto él lo captaba.

La Capilla tiene dos plantas, y en la planta baja encontré algo fascinante: un círculo en el centro con una simbólica llama encendida y en un mural que está de frente dice: “Mantengan la Luz encendida para cuando regrese”. En una de sus entrevistas decía: “Yo vine a pintar y llevo pintando ente 4,000 a 5,000 años”. Claramente, creía en la reencarnación y lo decía abiertamente sin temor a los comentarios o la ignorancia de la gente.

En el año 1976 creó la Fundación Guayasamín a la cual donó sus obras y colecciones, ya que decía que el arte es patrimonio de los pueblos. Sus obras fueron expuestas en los museos más importantes de Sudamérica y el mundo. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de España e Italia, y donó un mural para la UNESCO en Francia, en el que denuncia el hambre que sufren los niños en el planeta.

La visita a este museo me permitió corroborar que las grandes almas están en todas partes y nos dejan su legado, su enseñanza, en este caso a través del arte, con la cual todos nos podemos identificar. La obra de este artista refleja los estados del alma que todos alguna vez hemos experimentado.

Expresionismo Abstracto en el MoMA
Juan Rodríguez

Hay una poderosa razón para no perderse la nueva exhibición “Abstract Expressionist New York: The Big Picture” en el Museo de Arte Moderno en New York: el Expresionismo Abstracto fue el primer movimiento artístico que se gestó totalmente en Estados Unidos (específicamente en la Ciudad de New York) que alcanzó calibre internacional. Para los amantes del arte y todo aquel que desee conocer un poco sobre la historia del arte en la ciudad, esta excelente exhibición, como sólo el MoMA podía montarla, es mucho más que un “must”. El día que escoja visitarla, póngase unos zapatos cómodos, ya que le tomará varias horas observar con detenimiento las más de ciento sesenta obras (pinturas, esculturas, grabados, fotografías y dibujos) que cambiaron vertiginosamente la historia del arte, convirtiendo a New York en su gran eje. Hasta los años 40, París había sido la meca del arte.
Aunque la exhibición no es una retrospectiva del movimiento Expresionista Abstracto, la misma está organizada cronológicamente y abarca un periodo de aproximadamente veinte años. Por esta razón, el museo le ha dedicado un piso completo (25, 000 pies cuadrados), y como dato curioso, todas las obras exhibidas son parte de su colección permanente. No existe ningún museo que pueda trazar la historia de este movimiento artístico como el MoMA, el museo de arte moderno enciclopédico más importante del mundo. Desde el 1929, gracias a la visión del Sr. Alfred H. Barr, se comenzó a coleccionar obras de arte moderno que el mundo todavía no comprendía. A través de los años, la adquisición de alguna de éstas provocó la renuncia de miembros activos y administradores del museo. Cuando el Museo Metropolitano de Arte rehusó a coleccionar arte moderno, cediendo a fuertes críticas de amplios sectores del arte, el MoMA se convirtió en la única alternativa para presentar lo que estaba ocurriendo en el “aquí y ahora” del mundo artístico. Por esto se dice que el MoMA es “el peor error del Metropolitano”.

Barnett Newman

El Expresionismo Abstracto se comenzó a gestar en los años cuarenta, época durante la cual artistas europeos habían emigrado a la ciudad huyendo de los conflictos bélicos del Viejo Mundo, entre ellos la Segunda Guerra Mundial. A este puñado de artistas que trabajaban y se reunían en barrios en Manhattan se le conoció como “The New York School”. Los expresionistas se alejaron de la pintura figurativa y las influencias del Surrealismo para verter sus puras emociones en sus grandes óleos, el medio más utilizado. En las obras expresionistas la emoción y el mundo interior del artista se expresa a través del color. En sus pinturas, la fuerza física con la cual se crea, producto de un mundo interior intenso, es tremendamente visible. Por estos motivos, una de sus técnicas es conocida como la pintura gestual o de acción. Los expresionistas también idearon la técnica del “all-over painting”, dejando atrás la regla que establecía que toda pintura tenía que tener un punto central. Además, comenzaron a pintar en formato grande, echando a un lado la pintura de caballete. Ya para los años 60 el movimiento expresionista comenzó a ser gradualmente silenciado por el Arte Pop.
Era de esperarse que esta exhibición comenzara con la pintura al óleo “The She-Woolf” (1943), el primer Pollock en entrar a la colección del MoMA en el 1944. En esta pintura en particular, el artista todavía no había descubierto la técnica del “dripping”, pero se percibe que está en pleno proceso de crear algo nuevo. Como es de conocimiento general, Pollock se convirtió en el artista más importante de este movimiento. En la galería donde están sus obras más conocidas e importantes provoca quedarse horas admirando la maestría con la cual este controvertible artista manejaba su proceso creativo.

Jackson Pollock

El montaje de la exhibición es sencillamente espectacular, ya que permite que el visitante pueda observar las obras sin sentir que están atropellándose unas con otras. Con este propósito en mente y para que el tráfico del público fluyera, fue que la curadora ideó montarla en un piso completo. Cuando uno entra a la primera galería no encuentra el típico texto interpretativo que de alguna forma resume de qué se trata la exhibición. De hecho, los textos interpretativos se han reducido al máximo para que se puedan disfrutar las obras sin tantas distracciones.
Otro elemento innovador es que un par de galerías están dedicadas a artistas individuales. La galería que contiene las ocho pinturas de Mark Rothko es realmente un paraíso. En la galería que se encuentran las siete obras de Barnett Newman da gusto pasar horas observando los famosos “zips” (líneas verticales de color que dividen el plano de la pintura asimétrica o simétricamente) de este artista estadounidense. Ni hablar de las 18 pinturas de Pollock que se encuentran en diferentes puntos estratégicos de la exhibición, estableciendo claramente su gran desarrollo artístico.
No se puede dejar de mencionar el fantástico catálogo editado por MoMA: “Abstract Expressionism at The Museum of Modern Art”, que contiene fotografías de los archivos del museo documentando las diferentes exhibiciones que se han presentado sobre este movimiento desde los años cuarenta. También contiene un interesantísimo ensayo escrito por Ann Temkin, curadora principal del Departamento de Pintura y Escultura, y fotografías de ciento cinco de la obras en exhibición. Definitivamente, es un catálogo que no debe faltar en ninguna biblioteca de arte, pública o privada.

Ann Temkin

Después de haber estado sumergido por horas en este mundo donde la complicidad entre la fuerza física y las emociones de un artista se manifiestan con tanto poderío y tanta belleza, no deseaba aterrizar en ninguno otro. Lo que uno se lleva de esta exhibición sin precedentes es la fuerza y el sentido de compromiso con el cual estos artistas se abocaron a crear una nueva forma de expresión. En el proceso de desear cambiar el mundo, el cual estaba siendo bombardeado por un sinnúmero de conflictos, se vieron forzados a revisar minuciosamente sus mundos internos. Quizá el mundo no cambió como resultado de las obras que crearon, pero sí lograron cambiar dramáticamente la historia del mundo artístico ¡Enhorabuena!

NADA
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¿Qué les estará pasando por la cabeza a estas visitantes? (Chapter.org)

Está en Gales, y a los visitantes se los invita a recordar sus experiencias en otras galerías.
La idea es "existir en dos espacios al mismo tiempo": el espacio vacío y el de su memoria.
Algunos reaccionan como si se les hubiese gastado una broma, otros se mueven como mimos o bailarines.

Fuente: http://www.20minutos.es/noticia/165256/0/

Una galería de Gales abre sus puertas sin nada en las paredes. Como le leen. Sin un clavo o una triste alcayata siquiera. Se invita a los espectadores a que recuerden experiencia pasadas. Así de sencillo. Una vuelta de tuerca completa para llegar a nada. No sé qué costará la entrada. Tal vez, y para comenzar bien la experiencia, se debería pagar en reales; y tal vez para que se llene la sala debería no ir nadie; o tal vez el concepto no abarque el asunto del costo o la visita. Leo que Pope, el artista de 40 años nos dice que la cosa va en serio y ha colaborado con un neuropsicólogo de prestigio que declara a su vez que el objetivo es generar una mayor comprensión de la neurosis. Y no se lo pierdan, el proyecto ha contado con financiación pública y privada. Para que vean qué es lo que se paga en estas sociedades nuestras tan avanzadas: nada.

Por lo menos José Hierro se calentó la cabeza para redondear su soneto:

Después de todo, todo ha sido nada,
a pesar de que un día lo fue todo.
Después de nada, o después de todo
supe que todo no era más que nada.

Grito «¡Todo!», y el eco dice «¡Nada!».
Grito «¡Nada!», y el eco dice «¡Todo!».
Ahora sé que la nada lo era todo,
y todo era ceniza de la nada.

No queda nada de lo que fue nada.
(Era ilusión lo que creía todo
y que, en definitiva, era la nada.)

Qué más da que la nada fuera nada
si más nada será, después de todo,
después de tanto todo para nada.

"LA FORMA ES IGUAL AL VACÍO"

Publicado por Nuchi Belchí en 9/18/2007
Fuente: http://wwwnbelchi.blogspot.com/2007/09/lo-ltimo-en-arte-conceptual.html